Todos los miércoles de febrero, 6 pm.
Videoteca del MADC
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Miércoles 4 de febrero
Selección de cortos de República Checa
La Mano
Director: Jiri Trinka
1965, 19 min.
Un artista intenta plasmar en una escultura todos sus sentimientos y aspiraciones, pero existe una mano que lo frustra y censura todo el tiempo…
El cortometraje "La Mano" fue el último trabajo de Jiri Trinka. Este trabajo es una clara protesta a los estados absolutistas y sus prácticas coercivas con los artistas. Al final, la mano es responsable de la muerte del artista...
Oscuridad/Luz/Oscuridad
Director: Jan Svankmajer
1989, 8 min
Emergen extrañas y primitivas formas de vida que luego "evolucionan" hacia un ser humano totalmente formado. El ser humano se vuelve completamente incapaz de abandonar la estancia (es demasiado grande para hacer cualquier uso de las puertas y ventanas) y virtualmente incapaz de moverse sin golpearse. Dado que la desintegración de las partes componentes originales del cuerpo, no puede ser una opción, (o, al menos, no está de acuerdo con las ideas tradicionales de "evolución"), tiene que evolucionar, efectivamente, hacia una especie amenazada, que es únicamente capaz de una acción decisiva: apagar la luz.
En el film Svankmajer ha expresado frecuentemente su preocupación por la civilización occidental y su posible colapso en nombre del "progreso", el cual es satirizado en la trama del mismo. Es un film profundamente pesimista, aunque la oscuridad sea aliviada, en cierto modo, por la imaginación de Svankmajer.
Dimensiones del diálogo
Director: Jan Svankmajer
1982, 12 min.
El film está compuesto por tres diálogos. El primero, "Diálogo eterno", representa de manera condensada el proceso en el que nos hallamos embarcados en esta etapa de la civilización: el paso de la diferenciación a la uniformidad.
El segundo, "Diálogo apasionado", es cuando los cuerpos se mezclan sensualmente en un éxtasis de unidad. Pero esto prueba su eventualidad, de manera que cuando desaparece la pasión se produce literalmente un exceso incontenible, que se interpone entre ellos, y que provoca su mutua destrucción, en las imágenes de ruptura comunicativa más gráficas e inquietantes de todo el film.
El tercero es el “Diálogo Agotador”, el más perturbador por la mirada extremadamente humana de los ojos en los bustos, funciona como una variación del juego de "piedra, papel y tijeras". Todo marcha bien mientras las reglas son observadas, mientras se ofrecen las respuestas esperadas. Pero una vez que estas son transgredidas, sobreviene el caos. Las cabezas persisten en sus gestos habituales a medida que se incrementan las circunstancias inapropiadas, lo que da lugar a resultados cada vez más extraños: la mantequilla se derrama en los zapatos, los cordones se enrollan en los tubos de pasta dental, los sacapuntas intentan afilarse entre sí...
En su conjunto, los tres "diálogos" atestiguan la intolerancia de la humanidad hacia la alteridad, lo inhabitual, el inconformismo y lo inesperado.
La muerte del Stalinismo en Bohemia
Director: Jan Svankmajer
1990, 10 min.
Svankmajer utiliza imágenes del período de posguerra en Checoslovaquia: la lucha inicial por el poder, la ascensión de Gottwald gracias al apoyo soviético, y su puesta en marcha del sistema estalinista. Gottwald iba a encargarse de purgar el partido durante los años 50, en los que envió a algunos de sus amigos más próximos a la condena, tras juicios públicos cuyas imágenes también incluye el film. En el programa emitido por la BBC como complemento del film, el cineasta checo afirmaba que la "batalla contra el estalinismo estaba aún pendiente", y que ésta "tendría lugar en la mente de las personas".
A lo largo del film se puede percibir una idea que Svankmajer expuso en el programa de la BBC: que los efectos del totalitarismo "apelan a los bajos instintos". Esta percepción, implícita en el surrealismo, saca a colación la cuestión de la relación de estos instintos con ciertas formas de práctica artística del siglo XX, así como con ideologías políticas malignas.
El club de los caídos
Director: Jiri Barta
1989, 25 min.
Maniquíes viejos y arruinados pasan sus vidas rotas y agrietadas en un viejo almacén abandonado. Hasta que nuevos maniquíes son traídos. A pesar de que estos han sido desechados también, pertenecen a una generación más reciente. Los dos grupos deben vivir juntos, sin embargo no es una tarea sencilla de realizar.
Barta se inclina hacia lo grotesco en sus imágenes, por ejemplo, el sonido enfatiza en la sangre que salpica de manera desagradable proporcionando una calidad táctil de sus personajes y su universo. Sus creaciones son surrealistas, que van desde maniquíes abandonados a los guantes, están íntimamente involucrados en las manifestaciones simbólicas de la Revolución de Terciopelo, en broma o comentario sobre la rápida intrusión del materialismo en el este de Europa.
El desaparecido mundo de los guantes
Director: Jiri Barta
1982, 16 min.
Haciendo uso de un arreglo de guantes de goma de diferentes estilos y épocas, la película narra una breve historia del cine, desde el cine mudo a través de
Pastiches de Buñuel y Fellini, pasando por Encuentros cercanos del tercer tipo hasta un depósito de basura futurista donde unas latas se convierten en carros de policía animados en una ciudad en decadencia urbana.
En una sugestiva secuencia de escenas el guante/actor se las ingenia para parafrasear siete géneros cinematográficos en 15 minutos. Empezando con Chaplin en una persecución y terminando en un temporal horror de ciencia ficción.
La película con su mezcla de arte y fantasía es un representante de la era post-Trinka de las películas checas de marionetas y ha sido reconocida con varios premios a nivel mundial. Esta extraordinaria película es una de las más exitosas del cine animado checo y es una obra maestra de la animación mundial.
Miércoles 11 de febrero
Selección de cortos de Norteamérica
Vincent
Director: Tim Burton
1982, 6 min.
Vincent es un niño de 7 años, tranquilo y obediente, y en sus fantasías sueña con ser su idolatrado Vincent Price, uno de los intérpretes de terror más admirados y respetados de la historia del séptimo arte.
Tim Burton escribe el poema Vincent bajo el concepto original de microrrelato infantil. Filmado en blanco y negro es un stop-motion influenciado por las películas alemanas de los años 1920, así como las protagonizadas por Vincent Price y las adaptaciones de los relatos de Edgar Allan Poe. El corto fue narrado por el héroe de la infancia de Burton Vincent Price.
Cabeza
Director: George Griffin
1975, 10 min.
El más elaborado de sus anti-cartoons (como él mismo los llama), es Cabeza, un ingenioso ensayo de cómo filmar, fotografiar, dibujar, pintar y fotocopiar imágenes en movimiento. Destellando entre versiones multimedia de los mismos eventos, jugando con separaciones entre la figura y la tierra, cabeza es una película-truco.
George Griffin produce películas que desafían la categorización. Parte de lo que hace que ver secciones de las películas de Griffin intrigante es la variedad de enfoques que le da, raramente repitiendo temas o estilos.
Ah Pook está aquí
Director: Philip Hunt y William S. Burroughs
Estados Unidos,1994, 6 min.
En los restos dispersados de un cosmos gastado, el último dios, Ah Pook discute con su alter ego el equilibrio temblante entre la vida y la muerte. Una corriente animada del conciente idiosincrásico, la voz de Burroughs nos entrega un réquiem para las reses muertas del Armageddon, de discursos nihilistas del último dios que busca para significar en su universo, y finalmente de un manifiesto amargo de la aclaración, y de la liberación.
Luz de Polilla
Director: Stan Brackage
Estados Unidos, 1963, 3 min.
Mothlight visualiza un "día en la vida" de un insecto desde el nacimiento hasta la muerte, sin embargo, algunas de las indicaciones más positivas son de las asociaciones de lepidópteros, como la creatividad y el alma. Se podría decir Brakhage pone el "anima" de nuevo en la animación, reanimando a los muertos, cuidadosamente colocando los restos de insectos muertos, sobre la tira de película, y la alimentación a través del proyector de nuevo a la vida.
Stan Brakhage ha impreso partes de insectos y otros restos orgánicos a esta animación casera. Dicha animación ha logrado una amplia variedad de criaturas antropomorfas, desde coyotes a ranas, diablos de Tasmania a pájaros carpinteros. Se ha conseguido que ratones e incluso ratas, se vean lindas, sin embargo, la animación sigue siendo aprensiva acerca de los insectos.
El principio de la proyección de películas es la ilusión de la vida a través de la luz, con el público reuniéndose para ver como las polillas son atraídas por una lámpara: la belleza de Mothlight es la forma en que Brakhage evoca la polilla no a través de la imitación de dibujos animados, sino por la sensación de fragilidad de su movimiento, de bateo en contra de la pantalla. El efecto es excitante y aterrador.
Vecinos
Director: Norman Mc Laren
Canadá, 1952, 8 min.
Dos hombres (Jean-Paul Ladouceur y Grant Munro) viven pacíficamente de lado a lado en casas hechas de cartulina, pero cuando crece una pequeña flor entre ambas casas, ellos luchan a muerte por la propiedad de la misma.
Vecinos es un alegato contra la violencia y la guerra que data de 1952. McLaren rueda esta película con sólo dos actores -uno de los protagonistas es Grant Munro, otro gran animador-, manipulando después la cinta de modo que parecen caricaturas. La novedosa técnica que aporta McLaren se llama pixillation, a la que incorpora un sonido sintético que él mismo creó a base de rayar con un punzón el sonido real de la cinta.
Neighbours ganó la Palma de Oro al mejor cortometraje y el Oscar de animación en el mismo año de su realización. Animado, experimental, extraordinario y una obra única en el cine de animación.
Sexo en el tejado
Director: Adam Pesapane (PES)
Estados Unidos, 2002, 1 min.
La azotea de un clásico apartamento es el escenario. Techo plano con muros bajos alrededor, alambres y tuberías por doquier. Una pequeña puerta que conduce al ducto de una escalinata. Al abrirse la puerta la risa de un hombre y una mujer que juegan acompañan el movimiento de 2 sillas animadas estilo stop motion (él la persigue a ella). Se encuentran entusiasticamente a través de la azotea, cambiando posiciones, los codos de ella se friccionan contra el ladrillo y los bordes ásperos. Después, ese mismo día, la dueña de los muebles ve el estado de sus sillones. Alguien deberá pagar.
Sexo y violencia
Director: Bill Plymton
Estados Unidos, 1997, 8 min.
En 8 minutos el animador Bill Plympton nos entrega 24 viñetas: 7 son claramente sobre sexo, 10 sobre violencia y 7 sobre las fragilidades del cuerpo humano, particularmente el cuerpo y su edad.
Hay 3 historias de personas con problemas de prioridades (incluyendo un tipo atándose los zapatos mientras desciende en paracaídas; el primer sexo telefónico; y una inteligente y peligrosa manera de encontrar una llave perdida. Excepto por los títulos de cada sketch y un par de bromas que se vuelven ruido, estas historias son viajes visuales en la psiquis del hombre, la mujer, dios, los animales y el tiempo (enemigo de todos nosotros).
Bambi conoce a Godzilla
Director: Marv Newland
Estados Unidos, 1969, 2 min.
Marv Newland realiza “Bambi encuentra a Godzilla” en 1969, en tan sólo dos semanas, cuando todavía estudiaba en la escuela de cine, un par de años después de la publicación de Zap, el primer comix underground; y lo realiza como respuesta al idealismo de la época, representando un icono de Disney.
El encuentro de Bambi con el mito japonés de la serie B sirvió como inspiración para las generaciones venideras de animadores independientes, como Bill Plympton o Everett Peck.
Street of crocodiles
Director: Hermanos Quay
1986, 21 min.
Los tornillos salen por si mismos de las paredes, como si buscaran acelerar la destrucción del todo. Una colmena de muñecos con idénticos ojos vacíos intentan conservar el orden, quizá con excesivo celo. El resto de los habitantes del laberinto, en su mayoría atrapados tras puertas atrofiadas, parecen vivir una existencia casi animal.
Street of crocodiles es una animación surrealista de títeres en stop-motion.El corto fue inspirado por los escritos del polaco Bruno Schulz. El texto de Schulz, particularmente lírico, es omitido casi del todo: Los personajes son mudos. Sin embargo, la idea de que la vida es a la vez maravillosa, opresiva e inútil esta por igual en el texto y en las marionetas.
Miércoles 18 de febrero
Selección de cortometrajes rusos
Bola de lana
Director: Nikolai Serebryakov
10 min.
Una anciana encuentra a una oveja en el bosque y teje con su lana ropa caliente, una casa y muebles, antes de enfrentarse a sus propias limitaciones cuando intenta rehacerse a sí misma como una joven hermosa.
Este clip es un impresionante stop motion de Nikolai Serebryakov que se basa en un cuento popular sobre una oveja mágica cuya lana es utilizada por una mujer mayor. Con su empleo asombroso del color y su exploración ingeniosa del medio, la Bola de Lana es una de las obras maestras del cine animado ruso.
Cuento de cuentos
Director: Yuri Nornstein
29 min.
El cuento de cuentos, intenta estructurarse como una memoria humana. Las memorias no se recuerdan en orden cronológico deseado, son recordadas por la asociación de una cosa con otra, significa que la tentativa de poner memoria en la película no es una narrativa convencional.
La película se compone así de una serie de secuencias relacionadas cuyas escenas se entremezclan entre una y otra. Uno de los temas primarios implica guerra, con énfasis particular en las pérdidas enormes que la Unión Soviética sufrió en el frente del este durante la Segunda Guerra Mundial. Varios caracteres se repiten y sus interacciones componen una parte grande de la película, tal como el poeta, la niña y el toro, el niño pequeño y los cuervos, los bailarines y los soldados, y especialmente el pequeño lobo gris. Otro símbolo que conecta casi todos estos diversos temas son las manzanas verdes (que pueden simbolizar vida, esperanza, o potencial).
Hombre en un cuadro
Director: Fyodor Khirtuk
10 min.
Un personaje masculino es enmarcado dentro de un cuadro y, a su alrededor hay un formulario en el cual leemos la extraña descripción negativa de una vida humana: no, no, no fue, no tiene, no posee, no participa, nunca ha sido arrestado. El personaje, esta vez sin nombre, nos es presentado como el modelo de burócrata pomposo, incapaz del más pequeño gesto humano que lo obligue a salir de lo sancionado y enmarcado, como su misma existencia. El relato está dividido en pequeños cuadros que nos explican actitudes y posibilitan la formación de un retrato global.
La burocracia presente en el cortometraje no es un hecho aislado (puesto que todos, en esa pared llena de personajes enmarcados, son lo mismo) y, más importante que ello, no es sólo una manifestación de ineptitud o pérdida de horizontes de desarrollo. Contrario a ello, la pieza tiende un sólido hilo entre lo formal y oficinesco y lo político: el burócrata desea poder y hará cualquier cosa para conseguirlo.
La venganza del camarógrafo
Director: Wladyslaw Starewics
9 min.
Sr. Saltamontes, el camarógrafo, toma su venganza con una filmación del Sr. Beetle y su amante, la Sra. Dragonfly y luego muestra los resultados en un cine de barrio donde la Sra. Beetle se encuentra en la audiencia.
En el marco del cine presoviético, siguiendo la línea del filme de arte francés, Starewicz parodia los melodramas de la época con un jocoso estilo satírico, utilizando insectos como protagonistas.
La armónica de vidrio
Director: Andrei Khrajanowsky
20 min.
Es la historia de un hombre que, “tiempos atrás”, inventó un instrumento musical cuyo sonido “extraía los sentimientos más bellos de los seres humanos”, y a quien esas mismas personas niegan, aprisionan y destruyen, reduciendo a simples astillas el instrumento.
La historia estaba demasiado cerca de la Unión Soviética, del período estalinista, en particular a la relación del poder militar-burocrático con los artistas e intelectuales, razón por la cual la animación no pudo ser estrenada hasta muchos años después.
Miércoles 25 de febrero
Animaciones Nacionales y latinoamericanas
Dr Frankenstein y el maíz mutante
Director: La Pecera
Costa Rica, 6 min.
El Dr. Frankenstein crea un maíz que pretende ser una mejor alternativa al maíz convencional. La creación termina por volverse un monstruo incontrolable.
El monstruo de Frankenstein de nuestra era se nos revela en este cortometraje como un gigantesco y destructivo maíz genéticamente modificado.
Gluk!
Director: La Pecera
Costa Rica, 6 min.
Una bebé descubre los alimentos sintéticos que la hacen desviarse de los alimentos naturales, el primer impacto de atracción a ellos termina por tener sus consecuencias.
Este cortometraje es una combinación de técnicas de video con stop-motion.
La mano peluda
Director: Verónica Navarro
Costa Rica, 9 min.
En esta opera prima se destaca una gran creatividad en la instauración de marionetas y de las ambientaciones donde estas se desenvuelven en una historia surrealista y grotesca.
Cuento de Hadas
Director: Ana María Acevedo
Costa Rica, 4 min.
Cuento de hadas está hecho con un collage de técnicas de animación 2d, 3d y stop motion con video. Es una adaptación libre del cuento del mismo nombre de Alejandro Jodorowsky.
El desafío a la muerte
Director: Juan Pablo Zaramella. Argentina
Argentina, 3 min.
Un faquir que se prepara para el número más difícil. Juan Pablo Zaramella se estrena con esta opera prima de gran calidad realizada con muy pocos medios.
Hasta los huesos
Director: René Castillo
México, 12 min.
Un hombre no se resigna a la muerte. En las catacumbas hay toda una comunidad de esqueletos que le ayudarán a aceptar su desventura.
Magnífica animación de marionetas que homenajean al caricaturista mexicano Posada y una impecable banda sonora a cargo del grupo Café Tacuba. El joven autor mexicano sorprendido en las pantallas de los festivales de todo el mundo con este multipremiado cortometraje.
Diseño y concepto del ciclo: Ernesto y Antonio Jara.
Coordinación MADC: Antonieta Sibaja. |
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